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lunes, 29 de julio de 2013

BATMAN INICIA. Componiendo las pendejadas de Joel Schumacher.



BATMAN INICIA

Batman Begins


Christopher Nolan, 2005

La última película de Batman de la serie original, Batman & Robin (Schumacher, 1997), fue tan espantosa que la serie tuvo que ser rebooteada para poder volver a explotar al personaje en las salas cinematográficas. No es secreto para nadie, pero eso del Batman más camp que en los 60, con un traje que incluía pezones puntiagudos y tanga, y colores de neón como que no terminó de convencer a nadie. Las payasadas de Chris O’Donnell y Alicia Silverstone, las dizque actuaciones de George Clooney y Umma Thurman y el (¿cómo llamarlo?) ultraje de Bane fueron los clavos en este ataúd donde parece que el que mejor actúa es Arnold Schwarzenegger (!).
    ¿La solución? Partir desde cero contratando a un director británico con talento para el thriller,  a un elenco de primeros actores (británicos en su mayoría), y un guión complejo y rico inspirado levemente por la serie de cómics Batman: Year One para revivir la franquicia de forma tal que resultara en un drama de tono casi completamente realista. Éste más bien toma como herramienta a los personajes del universo de Batman para manifestar las críticas de Christopher Nolan a la sociedad contemporánea.

    Los padres del multimillonario Bruce Wayne (Christian Bale) son asesinados en un callejón, dejando al niño al cuidado de su mayordomo Alfred Pennyworth (Michael Cane, soberbio). Al crecer, la sed de venganza de Bruce lo lleva por una debacle personal que tocará fondo al ser encerrado en una prisión del Lejano Oriente. Ahí será rescatado por Henri Ducard (Liam Neeson), quien lo llevará ante Ra’s Al Ghul (Ken Watanabe), líder de la Liga de las Sombras. Con el conocimiento obtenido como miembro de la Liga, Bruce Wayne regresará a su natal Ciudad Gótica (Gotham City, para los cuates) para luchar contra el crimen, dirigido en su mayoría por el mafioso Carmine Falcone (Tom Wilkinson dando una clase de actuación… como suele hacerlo). También debutan en la pantalla grande villanos clásicos como The Scarecrow (Cillian Murphy), quien pretende llenar ciudad gótica con gas tóxico (¿Qué no ése era el plan del Guasón en la primera Batman [Burton 1989]?) y Victor Zsaz (Tim Booth), un asesino en serie que gusta de contar a sus víctimas haciéndose cortadas en el cuerpo.
    Como puede advertirse en la sinopsis anterior, la trama de esta película es muy compleja e involucra a muchos personajes del universo del Hombre Murciélago. A diferencia de la primera cinta, en la que sólo aparecía un villano, y de la fórmula que se siguió a partir de Batman regresa (Burton, 1992) en la que dos villanos clásicos se aliaban para enfrentarse a Batman, en esta peli se insertaron montones de personajes de los cómics (en total hay 5 villanos).
    Así pues, la película no es lineal en su primera mitad, e intercala escenas del tiempo presente con flashbacks; lo cual vuelve ágil y dinámica toda una sección de peli que de otro modo sería en exceso narrativa. Sobre todo, esta primera mitad se enfoca en el personaje de Bruce Wayne, planteando bases psicológicas sólidas sobre las cuales se irá construyendo el personaje de Batman. Analiza cuáles son sus motivaciones y sus miedos, y lo hace mediante escenas económicas y diálogos eficientes. De hecho, Batman como tal no aparece en pantalla sino hasta que la película ya lleva una hora.
    La segunda mitad está un poco más enfocada a la acción y de hecho se vuelve más lo que uno esperaría de una película de súper héroes. Eso sí, los héroes y villanos en esta cinta son constreñidos dentro del tratamiento realista antes mencionado; que si bien los vuelve más humanos, e incluso en algunos casos más temibles, también los saca un poco de contexto.
    Y a este respecto sí tengo una queja, que creo que es la que muchos de los fans más puristas de Batman tuvimos con esta película, y me refiero a las “licencias poéticas” que los realizadores se tomaron con los personajes. Principalmente con Ra’s Al Ghul. Quiero decir, en los cómics, Al Ghul es un megalómano árabe con el poder de la inmortalidad… ¡Su nombre mismo está en árabe (significa literalmente “Cabeza de demonio”)! ¿Por qué entonces es interpretado por un actor japonés? —exagero para efectos del dramatismo pues esto sí se aclara en la tercera cinta, pero no quiero meter spoilers— ¿Por qué la Liga de las Sombras está integrada por ninjas como si fuera una pandilla de película ochentera? Y, concediendo todo lo anterior… ¿Qué hace un clan ninja viviendo en un monasterio en los Himalayas?
    A mi hermano, quien es fanático acérrimo de las cintas de Batman de Burton, el tratamiento realista de los personajes en esta cinta no le agradó en lo más mínimo. Y, aunque es uno de los logros de la película, y ciertamente hay villanos que quedan ni mandados a hacer para esta versión del Batiuniverso, como el Sombrero Loco, el Acertijo o Azrael;  ¿dónde entrarían en esta visión villanos más fantásticos como Man-Bat, Mr. Freeze o Clayface?    
    En el caso de los villanos, todos ellos están magistralmente interpretados… bueno, tal vez Ra´s Al Ghul queda a deber por momentos; pero en general todos son muy buenos y, sin embargo, a diferencia de las películas de Burton (sobre todo la segunda), el tratamiento de Batman/Bruce Wayne es lo suficientemente sólido como para crear un personaje complejo, más cercano al antihéroe de un drama que al héroe de un melodrama, y que no llega a ser opacado por los villanos (a diferencia de Batman Regresa).
    El apartado del diseño es bastante afortunado. Sobre todo, en el caso de los personajes cuyas imágenes son pasadas también a través del tamiz realista que los acerca más a nosotros. Así pues, se trató de que los vestuarios lucieran lo más realistas posible, en el sentido de que personajes como Jonathan Crane/The Scarecrow tienen una apariencia completamente casera y mundana. Fuera queda el Art Decó expresionista, grandilocuente y estrafalario de las pelis de Tim Burton, así como la estética barroca y abigarrada de edificios y monumentos descomunales de las películas de Schumacher. Esta Gotham City fue filmada en locaciones reales en Toronto y el Batimóvil, cuyo diseño está más inspirado en el ideado por Frank Miller para la novela gráfica The Dark Knight Returns, parece más un tanque que un chupón como en las pelis de Burton o un tenis como en las de Schumacher.
    Los efectos especiales son disparejos, particularmente en el sector del CGI. Aunque hay secuencias increíbles como las de las alucinaciones inducidas por el gas del miedo de The Scarecorw, hay otras que se ven bastante falsas como la del ataque de una nube de murciélagos en Arkham Asylum.
    Una muy buena película que se aleja de los clichés de las pelis de superhéroes y las lleva a un público más adulto, y que marcaría la pauta en lo que adaptaciones cinematográficas de cómics se refiere durante el resto de la década y lo que va de ésta. Tiene sus detractores, sí, pero creo que en su conjunto es una fina pieza de cine fantástico… lo único que no acaba de convencer es la interpretación de Katie Holmes y su WonderBra. 

PARA LA TRIVIA: Originalmente el actor Cillian Murphy audicionó para el papel de Bruce Wayne/Batman, pero fue rechazado pues Nolan consideró que era demasiado delgado y sus facciones demasiado angulosas para interpretar al superhéroe; sin embargo, quedó tan complacido con su actuación que lo conservó en el elenco con el personaje del Dr. Jonathan Crane.

PARA LA TRIVIA MUY GEEK: No es un secreto para nadie que Gotham City es una ficcionalización de la ciudad de Nueva York. El término “Gotham”, que proviene de un vocablo holandés, fue acuñado por el padre de la literatura estadounidense, el escritor y político Washington Irving, para referirse a la ciudad de Nueva York y sus alrededores.     

jueves, 25 de julio de 2013

TITANES DEL PACÍFICO. O Evangelion versión del Toro.



TITANES DEL PACÍFICO

Pacific Rim


Guillermo Del Toro, 2013


De la mano del director tapatío regresan las pelis de kaijus, palabra japonesa con la que se denomina a los monstruos gigantes que toman las populosas ciudades niponas como ring para sus enfrentamientos. Mientras la adaptación de Del Toro de la novela de H.P. Lovecraft En las montañas de la locura y su cierre de la trilogía Hellboy siguen en el congelador, y después de haber declinado la dirección de El Hobbit: un viaje inesperado (Jackson 2012), el director tomó las riendas de este proyecto al cual le imprime, como a todos pero a éste con tinta aguada, su sello personal.
    A principios del siglo XXI, una grieta en el suelo oceánico Pacífico dejó abierto un portal interdimensional a través del cual los kaiju llegaron a la Tierra. Los primeros ataques de estos seres fueron devastadores, hasta que, tratando de combatir fuego con fuego, la humanidad comienza a crear robots gigantes llamados jaegers para pelear contra los kaiju. El contraataque resulta efectivo, pero luego de cinco años de intensas batallas, los jaegers no pueden controlar la invasión y el programa está por ser cancelado. Ahora, un militar reúne a un equipo multicultural de pilotos de jaegers para lanzar la última ofensiva contra los kaiju.
    Esta peli no es mucho más que lo que el tráiler promete: una versión gringa (con todo y Del Toro como director) de las películas de kaijus, tan populares en el Lejano Oriente. Si acaso la diferencia en esta ocasión es que, por lo menos los personajes centrales están bien planteados; se exponen sus conflictos y se vuelven personajes complejos. Así pues, tenemos una peli de kaijus con personajes multiculturales ricos emocionalmente y complejos psicológicamente que pelean con monstruos gigantes para salvar a la humanidad… o sea, Evangelion pero con más forma que fondo.
   La película es bastante dispareja, pues toda la primera mitad es interesante y emocionante, pero al final se hace un poco larga. Según parece, a final de cuentas sí resultó que las peleas de monstruos gigantes eran demasiado superficiales para sostener una película de más de dos horas de duración. Por momentos uno empieza a desear que ya pasen a lo que sigue.

    Por otro lado, aunque la mayoría de los personajes están bien dibujados, en realidad desde el principio se nota quiénes van a sobrevivir y salvar la Tierra. Los personajes secundarios que son sacrificables apenas si son interesantes y sus escenas parecen metidas con calzador en la narrativa de la película. Finalmente, los equipos completos de dos jaegers salen sobrando.
    Otros personajes secundarios que sí son destacables son los que conforman la vis comica de la cinta: el Dr. Newton “Newt” Geiszler (Charlie Day) y su compinche, el científico conocido como Gottlieb (Burn Gorman). Entrañables y divertidos, estos personajes se encargan de conectar con el público (como los ladrones en Los siete samurái [Kurosawa, 1954] o los droides en Star Wars [Lucas, 1977]) y, específicamente “Newt” se la pasa haciendo referencias a otras películas que fueron inspiración para ésta; hay parlamentos suyos enteramente sacados de Aliens: El regreso (Cameron, 1986) —empezando por su apodo— y ParqueJurásico (Spielberg, 1993) entre otras.
    Las actuaciones son cumplidoras con algunos momentos sobresalientes. Llaman la atención la interpretación de los dos actores fetiche de Guillermo Del Toro: Ron Perlman y Santiago Segura, quienes se lucen con un par de personajes estrafalarios que, de hecho, fueron escritos aparte específicamente para ellos e insertados posteriormente en el guión de la película (y se llega a notar un poco).
    Los efectos especiales son excelentes, al igual que los efectos de sonido. Las batallas entre kaijus y jaegers se ven impresionantes, llenas de acción y dinamismo. Aunque, siendo muy puristas, a estos monstruos no se les ve el cierre en la espalda… como que no es igual. Claramente, estos monstruos no fueron interpretados por actores metidos en botargas (de hecho, los kaijus son 100% digitales) y, aunque lucen geniales, eso le quita un poco de feeling al asunto.
    Ahora bien, Del Toro se jacta en las entrevistas de que pusieron mucho empeño en que el diseño de tanto jaegers como kaijus fuera original y que no se parecieran a monstruos aparecidos en otras películas; sin embargo, la verdad es que el Gipsy Danger se parece horrores al robotito de Fox Sports y los kaijus parecen enemigos de las Chicas Superpoderosas. Además el diseño de los sets de los cuarteles que alojan a los pilotos de los jaegers está súper influido por Alien 3 (Fincher, 1992) —de hecho, estoy casi seguro de que la disposición del comedor es la misma—.
    En general es una película un tanto superior a la norma de las películas de acción, pero llega a ser bastante aburrida hacia la segunda mitad y, a cada quien lo suyo, es de lo peor que le he visto a Guillermo Del Toro; incluso el director mexicano decidió dejar fuera muchas de sus “trademarks”. En general, se notan las prisas por tener lista la película a tiempo y una falta de sustento para la acción en pantalla, es como si le faltara la columna vertebral. Aun así, semanas antes de que se estrenara esta cinta, ya se había comenzado la preproducción de la secuela (en la cual, hasta el momento, no se ha confirmado la participación de Del Toro como director).

PARA LA TRIVIA: El equipo de diseño creó a varios jaegers de distintas partes del mundo con sus diferentes historias, y para decidir cuáles  aparecerían en la película se basaron en qué figuras les llamaban más la atención. Empero, los jaegers que quedaron fuera de la selección aparecen en breves secuencias a lo largo de la película, como el peruano Puma Real. Entre estos jaegers se encontraba uno apócrifo, construido de forma ilegal por los capos mexicanos de la droga, pero que no apareció en ningún momento en pantalla; el director ha mencionado sus intenciones de incluir esta historia en la secuela.




domingo, 21 de julio de 2013

ESPECIAL DE CUMPLEAÑOS: mis 28 películas favoritas. Parte 2

He aquí la segunda y última parte de mi lista de 28 de mis pelis favoritas:

15.- EL EXTERMINADOR/ TERMINATOR 2: EL JUICIO FINAL

Terminator, James Cameron, 1984 y Terminator 2: Judgment Day, James Cameron, 1992

¿Quién hubiera pensado que una película cuyo presupuesto era tan bajo que hubo que grabar varias escenas en Betamax llegaría tan lejos? Poco tiempo después de su estreno, la primera cinta ya se había convertido en uno de los pilares del cine de ciencia ficción contemporáneo y en una referencia obligada de la cultura pop, además de elevar al exMister Universo, Arnold Schwarzenegger, al estrellato.

    Y justo cuando se creía que la primera parte era insuperable, James Cameron dirige una secuela que es mejor que la original y que básicamente define cómo serán las películas de acción de toda una década… Y con música de Guns N’ Roses, jaja.

    La saga continuó con una lamentable tercera parte y una cuarta parte bastante decente, que en realidad es una precuela / reboot de toda la saga; pero a gusto de un servidor, los verdaderos clásicos, los que sí valen la pena, son las primeras dos pelis.

16.- EL JOVEN MANOS DE TIJERA

Edward Scissorhands, Tim Burton, 1990

No creo que sea la mejor película de Tim Burton (según yo, ésa sería El Gran Pez [2003] o Frankenweenie [2012]), pero es una de mis favoritas, además de que fue su primera colaboración con su posteriormente inseparable actor, Johnny Depp.

    Se trata de un cuento de hadas contemporáneo (bueno, situado en los 60 o 70) con una estética definida y una ambientación preciosista, que se sirve de elementos de la literatura Gótica para dar fuerza a su narrativa (quizá la mejor narrativa de Burton, que no ha sido nunca su fuerte).

    Lo único que no me gusta de esta película (y de hecho no es problema de la peli en sí) es que Burton y Depp no volvieron a hacer otra. Me refiero a que todas las cintas que han hecho después de ésta, todas y cada una de ellas, han sido variaciones sobre El joven manos de tijera.




Return of the Living Dead, Dan O’Bannon, 1985; Return of the Living Dead Part II, Ken Wiederhorn, 1988; y Return of the Living Dead III, Brian Yuzna, 1993.

“Los zombies me dan risa.” Es lo que nos dice esta trilogía de clásicos de los videoclubes. Mientras que George A. Romero había reinventado el género de zombies y su saga de los Muertos Vivientes iba ya por la tercera entrega, al otrora guionista de Alien: El octavo pasajero (Scott, 1979) se le ocurrió la genial idea de escribir y dirigir una parodia de las pelis de zombies de Romero.

    La historia gira en torno a un gas tóxico, un arma química experimental del Ejército de Estados Unidos, que tiene la capacidad de revivir a los muertos. En la primera cinta, un tanque de esta sustancia cae accidentalmente en el cementerio de un pequeño pueblo estadounidense (de ésos de a peso la docena en las películas)  y la infección se propaga. En la secuela… bueno, pues pasa más o menos lo mismo, pero la plaga zombie se extiende en  la zona residencial del pueblo. Y en la tercera, el joven hijo de un militar utiliza el compuesto para revivir a su novia, muerta en un trágico accidente de motocicleta.

    Las dos secuelas son inferiores a la primera parte, pero las tres son hilarantes. Aunque, eso sí, la tercera sí tiene más momentos de horror “serios”.


18.- MONSTERS, INC.

Docter, et al; 2001

¿Cómo no adorar a ese gigantón azul y su amiguito verde? Y eso que ya estaba yo crecidito cuando la vi. La verdad, es que fue con esta película con la que me enamoré de Pixar; y fue la que me hizo revalorar las películas infantiles. Gracias a esta cinta revisité los clásicos de mi infancia y les encontré nuevos significados.

    No hay nada más aterrador cuando se es niño que el monstruo que vive en el clóset (o debajo de la cama), ¿cierto? Bien, pues esta película narra el mismo suceso pero desde el punto de vista de los monstruos que, de hecho, necesitan asustar niños para sobrevivir.

    Un verdadero clásico que puede ser disfrutado por niños y adultos por igual.

19.- DIOSES Y MONSTRUOS

Gods and Monsters, Bill Condon, 1998

Antes de esta película, Brendan Fraser no era para mí sino el héroe simpaticón y medio bobo de La Momia (Sommers, 1999); pero una vez que lo vi en Dioses y monstruos se ganó todo mi respeto como actor.

    Fraser interpreta a un jardinero que empieza a trabajar en la mansión del retirado y excéntrico exdirector de cine James Whale. El jardinero va descubriendo el ser humano complejo y maravilloso y el artista sensible y noble debajo de la escandalosa imagen de homosexual pervertido con la que la sociedad ha marginado a Whale, director de Frankenstein (1931) y La novia de Frankenstein (1935), los días anteriores a su suicidio.

    Un drama sencillo y sensible, cuyo soundtrack, creado por Carter Burwell, es simplemente fantástico al resaltar las emociones que la película busca compartir con el espectador.


20.- EL HOMBRE DE MIMBRE

The Wicker Man, Robin Hardy, 1973

Ésta es otra de esas películas que se vuelven referencias obligadas y sobre las cuales se escriben tesis y se ven en clases de cine y eso. La verdad es que es un thriller con elementos de cine de terror más que efectivo.

    Un detective de la policía británica es enviado a una remota isla en la costa de Escocia para investigar la desaparición de una niña. Cuando llega al lugar, los habitantes del pequeño pueblo niegan que la niña siquiera haya existido, a pesar de todas las evidencias a favor de lo contrario. Conforme su investigación avanza, el sargento Howie (Edward Woodward) descubre las extrañas costumbres religiosas de la gente de la isla y comienza a sospechar el verdadero destino de la niña desaparecida.

    Esta es una verdadera película de terror que se regodea en jugar con el espectador. Es inteligente, terrorífica y llena de suspenso. Su principal virtud está en que el terror no proviene de lo que se muestra en pantalla, sino de lo que el espectador piensa al terminar la película.


21.- APOCALIPSIS

Apocalypse Now, Francis Ford Coppola, 1979

Durante la Guerra de Vietnam (1955-1975) un batallón de novatos del Ejército de EE.UU. es enviado a la jungla para buscar al Cnel. Kurtz (Marlon Brando), militar excelente y desertor del ejército. Perdido en la selva, Kurtz enloqueció y se convirtió en un líder religioso para los habitantes de la zona, quienes ahora lo veneran y protegen. Para encontrarlo, los novatos no sólo deberán enfrentarse a la guerrilla vietnamita, sino a los peligros del bosque tropical y, en última instancia, a ellos mismos.

    La escena de los helicópteros rociando napalm sobre la selva ante un cielo dorado y musicalizada con The End de la banda The Doors no puede ser sino poesía cinematográfica.

    Más allá de explorar los factores políticos o sociales de esta guerra, Coppola la analiza como el proceso de degradación de la dignidad humana hasta llegar a la miseria y la deshumanización. En otro nivel, se trata de un poema épico contemporáneo pues no deja de ser del Viaje del Héroe. Se trata, pues, de la versión posmoderna de La Odisea. 
22.- BALA DE PLATA

Silver Bullet, Daniel Attias, 1985

Muchas veces los fanáticos de un libro suelen quejarse de que cuando éste es adaptado al cine, la película no cumple con sus expectativas. En el caso de las novelas de Stephen King, por regla general, por muy mala que sea la película suele ser mejor que el libro.

    En este caso en específico, la novela El ciclo del hombre lobo es bastante sencilla y corta y se ve enormemente enriquecida por las ilustraciones del genial artista Bernie Wrightson.

    Esta película, sobre un hombre lobo que aterroriza a los pobladores de un pequeño pueblo estadounidense durante un verano, fue la primera película de licántropos que recuerdo haber visto. Debo haber tenido cinco o seis años y recuerdo que me impactó muchísimo.

    La película es bastante decente, el soundtrack dinámico y los efectos especiales del hombre lobo fueron creados por el fallecido Carlo Rambaldi, responsable de crear los efectos para  Alien:El octavo pasajero, E.T. El extraterrestre (Spielberg, 1982) y para los gusanos de arena de Dunas (Lynch, 1984).

23.- VENGADOR DEL FUTURO

Total Recall, Paul Verhoeven, 1990

Sí, otra de las películas ultraviolentas con elementos de ciencia ficción de Paul Verhoeven. En este caso, se trata de una peli de acción fuertemente influida por el film noir, muy ligeramente basada en el relato We Can Remember It For You Wholesale, del maestro de la ciencia ficción Phillip K. Dick.

    Douglas Quaid (Arnold Scwarzenegger en su mejor época) es un trabajador de la construcción cuyo sueño más anhelado es pasar unas vacaciones en Marte. Como no puede financiarlas, acude a la empresa ReCall, dedicada a implantar recuerdos en la mente de las personas, para que llenen su memoria con falsos recuerdos de unas vacaciones de ensueño en el planeta rojo. Sin embargo, una vez en la clínica de ReCall, se entera de que la que él cree que es su vida cotidiana es en realidad un recuerdo implantado y que su relación con Marte es mucho más estrecha de lo que jamás soñó.

    Si el “Governator” hizo alguna buena película en toda su vida, sin duda fue ésta. Muchas de las locaciones de esta cinta fueron filmadas en la Ciudad de México, lo cual la hace aún más divertida para sus habitantes, quienes nos entretenemos reconociendo locaciones de nuestro día a día en los sets de la película.


24.- DEPREDADOR / DEPREDADOR 2

Predator, John McTiernan, 1987; y Predator 2, Stephen Hopkins, 1990

Sí, las dos son malas películas. Sí, son palomeras cuando mucho. Sí, es difícil no reírse de Schwarzenegger (quien me parece ahora que tiene demasiadas entradas en esta lista… ¿seré fan de Schwarzenegger?) cuando trata de decir sus diálogos. Pero ¿quién no se pasó las tardes de los sábados viendo estas películas en Canal 5?

    En la primera cinta, un comando especial del Ejército de EE.UU. es enviado a la selva centroamericana (filmada en el estado mexicano de Chiapas) para investigar la desaparición de un diplomático. Lo que encuentran allí es un cazador alienígena ansioso de hacer trofeos de los guerreros humanos.

    En la segunda película (inspirada levemente por la serie de cómics Predator: Concrete Jungle) el Depredador toma la ciudad de Los Angeles, envuelta por una sangrienta guerra del narcotráfico, como coto de caza.

    Además de mucha acción y una embarrada de ciencia ficción, estas películas tienen todo: Actuaciones terribles como la de Schwarzenegger, actuaciones de verdad como las de Danny Glover y Gary Busey, efectos especiales del maestro de los animatrónicos, Stan Winston; un soundtrack pegajoso y al exluchador Jesse Ventura y la excantante María Conchita Alonso como “estrellas invitadas”.

25.- LOCA ACADEMIA DE PILOTOS Parte 2

Hot Shots! Part Deux, Jim Abrahams, 1993

En mi ánimo de atesorar las comedias bobas, ésta es probablemente mi favorita. Es además la película que más veces he visto en mi vida (por azares del destino); tenía como ocho años la primera vez que la vi, y a la fecha debo haber acumulado unos 60 visionados de esta cinta, quizá más.

    Topper Harley (Charlie Sheen antes de sus problemas con drogas y suripantas) lidera un comando especial del ejército estadounidense enviado a rescatar prisioneros, y a sus fallidos equipos de rescate, de Irak.

    La primera película era una parodia de Top Gun: Pasión y Gloria (1986). Ésta es una parodia de las Rambo II (1985) y III (1988) —como si la tercera no fuera hilarante de por sí— con otro montón de parodias que incluyen Star Wars (Lucas, 1977) y El Exterminador. Quienes la haya visto coincidirán conmigo en que la escena del pollo vale oro (por eso es el poster de la peli).


26.- EL DESPERTAR DEL MIEDO

Haute Tension, Alexandre Aja, 2003

La película que, junto con el remake de La Masacre de Texas (Nispel, 2003), prácticamente reinventó el género Slasher, además de ser una de las pioneras de la ola del gore francés en la pasada década.

    Marie (Cècile De France) y Alexia (Maïwenn) son dos estudiantes universitarias que viajan a la granja de los padres de esta última para estudiar para sus exámenes semestrales. Pero la primera noche en la granja, un psicópata vestido de empleado de gasolinería ataca la casa y secuestra a Alexia. Ahora, Marie deberá arriesgar su propia vida para rescatar a su amiga.

    Una película inteligente, vivaz y sutil. A pesar de los litros y litros de sangre que se ven en pantalla, y de los increíbles efectos de maquillaje, la clave para entender lo que pasa en la peli está en poner atención a los pequeños detalles.

    El asesino, interpretado por Philippe Nahon, es uno de los mejores slashers de la historia ¡da un chingo de miedo!

27.- LAS AVENTURAS DE ZAK Y CRYSTA

FernGully: The Last Rainforest, Bill Kroyer, 1992

Una película más bien poco conocida que gozó de cierta fama en el tiempo de su estreno. Se trata de un largometraje de dibujos animados de manufactura independiente y distribuido por la Twentieth Century Fox en una época en la que Disney tenía el monopolio de la cintas animadas.

    Una compañía maderera explota desmedidamente la selva de FernGully, y en el proceso destruye el árbol en el que se encontraba encerado el antiguo espíritu malvado de la contaminación, Hexxus (voz del genial Tim Curry). Uno de los empleados de la compañía, Zak (voz de Jonathan Ward) es encogido por un hechizo del hada novata Crysta (voz de Samantha Mathis). El futuro de todo el bosque y, quizá de la humanidad entera, recae ahora en Zak y Crysta.

    Una peliculita muy divertida y con un claro mensaje ambientalista, con los tradicionales números musicales sin explicación alguna (pero ver una lagartija rapeando lo vale). La calidad de la animación es sobresaliente, y cuenta con las voces de otros actores como Robin Williams y Christian Slater. 

28.- TERROR BAJO LA TIERRA (también conocida como Terror en el desierto)

Tremors, Ron Underwood, 1990

Recuerdo esta película como una de ésas que sirven para pasar el rato. Quiero decir, recuerdo haberla rentado en un videoclub la primera vez que la vi, pero después tengo recuerdos de haberla visto en autobuses, en centrales camioneras, en farmacias o en el zapping de los fines de semana. A pesar de esto, es una peli muy divertida.

    Una extraña especie de gusanos carnívoros gigantes que se desplazan bajo la tierra (después llamados Graboids) comienza a atacar un pequeño poblado en el desierto estadounidense. Los habitantes de Perfection deberán descubrir algún punto débil en sus depredadores si es que quieren sobrevivir.

    Con una mezcla de acción, aventura, horror y comedia, esta cinta resulta en un divertidísimo entretenimiento con actuaciones bastante decentes y efectos especiales fantásticos. Su éxito fue tal que generó cuatro secuelas y una serie de televisión.


Y, como aprendí mi lección y no volveré a hacer una lista tan larga, ahí les va el pilón:



29.- ALIEN: LA SEMILLA DEL MAL

Progeny, Brian Yuzna, 1998

Otra de las peores películas de la década es una de mis favoritas. Quizá las actuaciones son malas y el argumento es como un mal episodio de los Expedientes X; pero dentro de su género siempre me ha parecido muy interesante.

    El joven médico Craig Burton (Arnold Vosloo) y su esposa Sherry (Jillian McWirther) han intentado tener hijos sin conseguirlo. De pronto, después de una noche en la que ambos perdieron tres horas de sus vidas sin tener recuerdo alguno de dónde estuvieron, Sherry resulta embarazada. Según todas las pruebas se trata de un bebé normal, pero amos padres saben que algo está mal y, cuando contactan a un ufólogo experto, sus sospechas se salen de control; pero ¿es este bebé el producto de una inseminación extraterrestre o es la imaginación de Craig la que se está desbordando?

    Los efectos especiales son más bien cutres, pero aun así la peli se las ingenia para que resulten creíbles. El punto fuerte de la cinta es el suspenso y la angustia que generan la incertidumbre sobre qué está creciendo en el útero de Sherry. Se trata además de uno de los últimos proyectos en colaboración de la mancuerna detrás de la saga Re-Animator, el productor Brian Yuzna (que en esta ocasión dirige) y el director Stuart Gordon (que en esta ocasión escribe).


jueves, 18 de julio de 2013

ESPECIAL DE CUMPLEAÑOS: Mis 28 películas favoritas. Primera parte.


No hay mejor forma de celebrar mi cumpleaños que con una película. En este caso, para celebrar un año más de cinefilia, he decidido hacer una lista monumental de mis 28 películas favoritas; una por cada año.

No he seguido ningún criterio para esta lista, sino simplemente que se trate de películas que puedo ver una y otra vez y disfrutarlas en cada ocasión como si fuera la primera vez. Eso sí, procuré repetir la menor cantidad posible de pelis, y muchas quedaron fuera porque hablaré de ellas en otra ocasión.

Así las cosas, he aquí las primeras 14 de una lista que evidencia que fui niño en los 80 y 90



1.- BRASIL

Brazil, Terry Gilliam, 1984.

Debo haber tenido como quince años la primera vez que vi esta película, un fin de semana tarde por la noche, en el cable, y desde entonces quedé fascinado. Luego descubrí que éste no era mi primer acercamiento al cine fantástico de Terry Gilliam, pues de niño disfruté de Las aventuras del barón Munchhausen (1989).

Esta película es una versión surrealista y un poco una parodia de la novela 1984, de George Orwell. La cinta narra la historia de Sam Lawry (el excelente Jonathan Price en una de sus mejores interpretaciones), un empleado del gobierno que vive en un futuro no muy lejano donde la sociedad, enajenada por el consumismo, vive bajo el tiránico régimen de una monstruosa burocracia. Lawry, al perseguir a la chica de sus sueños (literalmente) se da cuenta de lo harto que está de su vida y termina, sin darse cuenta, involucrándose en un movimiento terrorista.

Más forma que fondo, pero no por eso superficial, el diseño de arte en esta cinta es simplemente espectacular. El reparto cuenta además con las actuaciones de Robert DeNiro y Bob Hoskins en personajes caricaturescos y surrealistas.




2.- ALIEN: EL OCTAVO EL PASAJERO y ALIENS: EL REGRESO

Alien, Ridley Scott, 1979/ Aliens, James Cameron, 1986

Aunque todas las cintas de la saga me gustan, fue la primera la que me convirtió en el cinéfilo que ahora soy. El poder que tiene esta película, que cuenta la historia de la tripulación de una nave espacial que es diezmada por un salvaje ente extraterrestre, se quedó muy presente en mi mente de siete años.

    Por otra parte, la secuela es uno de los más claros ejemplos de que “la excepción confirma la regla”, pues no siempre “segundas partes nunca fueron buenas”. Quizá su principal acierto fue no tratar de imitar el genial y sutil tono de suspenso y terror de la primera parte, sino apostar por un género completamente distinto al crear una película de acción. Cameron supo encontrar la dirección en la que debía expandir el universo de Alien y lo consiguió con esta película que logró crear una mitología en sí misma.
3.-CRASH: EXTRAÑOS PLACERES

Crash, David Cronenberg, 1996

La primera película que vi de este director fue su refrito de Lamosca (1986) y desde entonces me volví adepto de su cine… por lo menos del que hizo hasta finales del siglo pasado. Cronenberg es uno de los cineastas más hábiles y sensibles de cuyo trabajo he podido disfrutar. Su cine no es precisamente de horror, sino que utiliza el horror para hablar de temas más profundos y más íntimos en un tono de tragedia clásica. Este director logra la catarsis a través de la construcción de una tragedia contemporánea en la que uno siente horror y compasión por los héroes de sus historias a un mismo tiempo.

    En esta cinta, la mejor de su filmografía en mi opinión, nos narra la historia de un médico que, tras sufrir un accidente automovilístico, se involucra con un grupo de personas cuya parafilia sexual consiste en estrellarse en automóviles para sentir placer.

    Con grandes actuaciones y fotografía, y un soundtrack minimalista y onírico, esta película se convierte en una experiencia perturbadora y fascinante que lo deja a uno con la boca abierta y con una sensación muy difícil de describir.


4.- DRÁCULA, MUERTO PERO FELIZ

Dracula, Dead and Loving It, Mel Brooks, 1995

El legendario comediante Mel Brooks  une fuerzas  con el otrora galán de acción y posterior comediante, Leslie Nielsen, para entregar esta parodia; una de las películas de vampiros más divertidas de todos los tiempos.

    Con el peculiar humor simplón de Brooks, esta película parodia la clásica Dracula de 1931, misma que forjó el modelo del vampiro que es reconocido como un icono de la cultura popular hasta nuestros días.

Con actuaciones de la siempre divertida Amy Yazbeck como Mina Seward y el propio Brooks como el mismísimo Prof. Van Helsing, esta cinta contiene algunas de las escenas más hilarantes de la filmografía de Brooks y de Nielsen. Un poco ramplona, eso sí, pero garantizada… quiero decir, todos necesitamos un chiste bobo de vez en cuando, ¿no?


Jurassic Park, Steven Spielberg, 1993.

En un parque de diversiones del futuro cercano un grupo de científicos ha logrado revivir dinosaurios a través de avanzadas técnicas de clonación… ¡No! No es la novela del director Skinner, jajaja, sino el argumento de esta película sensacional que marcó la infancia de mucha gente de mi generación y que cambió no sólo la forma en la que se hacían películas, sino la forma en que veíamos a los dinosaurios.

    En verdad, en la primavera/verano de 1993, ABSOLUTAMENTE TODO se trataba de dinosaurios.


6.- HEAVY METAL

Gerald Patterton, 1981

En general, la percepción del público occidental es que las películas de animación están dirigidas al público infantil. ¿Sí? ¿Y qué hay con una película de animación con violencia explícita, contenido sexual y desnudos, y música de Black Sabbath, Grand Funk Railroad y Sammy Hagar, entre otros?

    En la tradición del cine de animación underground americano (bueno, pues, las pelis de Ralph Bakshi), esta película adapta algunas de las historias más populares publicadas en la legendaria revista de cómics Heavy Metal. Algunos segmentos son mejores que otros, eso sí, pero ninguno es malo.

    La peli generó una secuela tardía, Heavy Metal 2000, que está de pena ajena.



7.- CIUDADANO KANE

Citizen Kane, Orson Welles, 1941

La película que definió el lenguaje cinematográfico del siglo pasado es un clásico difícil de igualar. También, cabe mencionarlo, era uno de los proyectos menos favoritos de RKO para ser producido, pero Welles logró convencer a los ejecutivos del estudio para financiarlo.

    La peli narra la historia de Charles Foster Kane (Orson Welles), un niño adoptado por un fideicomiso del banco y que llegó a convertirse en el hombre más rico y poderoso de Estados Unidos, basando su fortuna en la industria editorial y los sindicatos. Al morir de viejo, la última palabra de Kane es “Rosebud (Pimpollo)”. La historia se cuenta a través de retrospectivas, desde la perspectiva de un periodista que entrevista a muchas de las personas que conocieron a Kane en vida para tratar de descubrir qué o quién es Rosebud.

    Una de las películas más parodiadas por las series de dibujos animados, siendo mis sátiras favoritas la de Los Simpson (El oso de Burns), Los Tiny Toons (No recuerdo el título del episodio, pero empezaba con Max Montana gritando “Acme” desde su mansión) y Los verdaderos Cazafantasmas (aunque ésta más que parodia es una especie de secuela en la que los Cazafantasmas ayudan al fantasma de Kane a descansar en paz).


8.- CASABLANCA

Michael Curtiz, 1942

Basada en un guión que originalmente se escribió como obra de teatro, ésta es una de las películas consentidas de Hollywood y favorita de miles de fanáticos. Y es que la historia de Rick Blaine (Humphrey Bogart en el papel que lo inmortalizó), el bribón con corazón de oro, jamás podrá pasar de moda.

    Ambientada durante la ocupación Nazi en Francia, que para la época de la película representaba la contemporaneidad, la peli narra el conflicto de Rick, quien es dueño de un café en la ciudad marroquí de Casablanca. Dicha ciudad es el paso obligado de aquéllos que desean escapar de las garras del Tercer Reich y Rick ha hecho una fortuna gracias a esto, traficando con influencias y personas. Pero la llegada de una persona del pasado de Rick lo hará debatirse entre su propia felicidad y la de la mujer que ama.

Todo un clásico de la mejor época de Hollywood.


9.- INVASIÓN

Starship Troopers, Paul Verhoeven, 1997

La película incomprendida de Paul Verhoeven fue lo suficientemente mal interpretada como para terminar con la carrera de este director. Sin embargo, con el paso de los años se ha convertido en una cinta de culto que ha generado tres secuelas y montañas de merchandising.

    Basada en la novela clásica de ciencia ficción de Robert A. Heinlein, esta cinta trata sobre un grupo de jóvenes recién graduados del bachillerato en un futuro no tan lejano en el que la sociedad fascista y altamente militarizada sólo reconoce como ciudadanos a aquéllos que sirven en el ejército. El planeta Tierra, además, se encuentra en guerra contra una raza de insectos extraterrestres llamados Arácnidos que están dispuestos a aniquilar a la raza humana.

    El caso de esta película es uno de los más curiosos en la historia del cine comercial. La novela de Heinlein sí es un panegírico del militarismo y de los gobiernos fascistas; sin embargo, la novela toma el mismo discurso y, a través de sutilezas en el tono, lo satiriza. Esta peli en realidad se está burlando de la fuente literaria en la que está basada, pero el público en general recibió el mensaje opuesto. Como las dos cintas anteriores de Verhoeven de acción y ciencia ficción (Robocop y Vengador del futuro), esta película esconde una crítica social mordaz, aguda e irónica.



10.- ALARIDO

Suspiria, Dario Argento, 1977

Una obra maestra del terror contemporáneo y mi película favorita de este autor. Ya he comentado sobre ella varias veces, pero su estatus como pilar del género hace que uno deba revisitarla una y otra vez.

    Suzzy Bannion (Jessica Harper), una estudiante de ballet, llega a una academia/internado en Alemania en la que, misteriosamente, comienzan a suceder una serie de horribles y bizarros asesinatos. ¿Quién está matando a las bailarinas y por qué? Suzzy tendrá que descubrir la verdad si no quiere convertirse en la próxima víctima, pero en su búsqueda se enterará de secretos más terribles que la muerte.

    Basada en una idea original de Daria Nicolodi, exesposa de Argento, y con una de las mejores partituras compuestas pos la banda Goblin, esta cinta da la impresión de estar sumergido en una pesadilla de la que no se puede escapar. Todo un clásico.



11.- HELLRAISER: PUERTA AL INFIERNO

Hellraiser, Clive Barker, 1987

La obra cumbre de Clive Barker es una reinterpretación del mito del Conocimiento Prohibido y es una de las películas más icónicas del cine independiente de terror. Es, además, una adaptación casi literal de la novela del mismo autor británico titulada originalmente The Hellbound Heart.

    Julia, una esposa infiel, se reencuentra con su amante fallecido, Frank (quien por cierto es su cuñado). Frank, en su búsqueda del máximo placer, fue al infierno de las criaturas llamadas Cenobitas, quienes devoraron su alma en un tormento eterno de placer/dolor sadomasoquista del que pudo apenas escapar. Ahora, los Cenobitas buscan a Frank para llevarlo de regreso con ellos.

    Toda una obra maestra, esta película es recordada sobre todo por su interesantísimo diseño de arte que mezcla elementos de la estética punk y el BDSM. La película generó ocho secuelas (pero sólo la segunda es interesante) y un refrito que aún no se ha podido poner en marcha debido al repudio anticipado de los fans.


12.- LOS ENGENDROS

Critters, Stephen Herek, 1986

Sin duda, una de mis películas favoritas de toda la vida. La primera vez que la vi tenía seis años y la pasaron en un autobús durante un trayecto nocturno por carretera. No es una buena película, pero es muy divertida, le tengo gran afecto ¡y es una clásica peli de camión!

    Los Critters son una raza de criaturas alienígena pseudointeligentes que huyen de una prisión espacial para refugiarse en una granja en uno de tantos pueblitos rurales de EE.UU. Ahí causarán una alocada y sangrienta serie de alborotos, a menos que sean detenidos por un niño y un equipo de cazarrecompensas intergalácticos.

    Una de las tantas copias de la exitosísima Gremlins (Dante, 1984), la originalidad y la mezcla única de horror y comedia negra de esta cinta, junto con sus efectos especiales de “se pueden hacer grandes cosas con presupuestos pequeños” la salvaron del olvido y la convirtieron en una franquicia por méritos propios.

13.- LA ISLA DEL Dr. MOREAU

The Island of Dr. Moreau, Frankenheimer, 1996

Ésta es mi novela favorita de uno de mis autores favoritos, H.G. Wells, y en general me han gustado las tres adaptaciones que de ella se han hecho para la pantalla grande; sin embargo, mi favorita es esta tercera versión.

    Edward Douglas (David Thewlis), único sobreviviente de un accidente aéreo en los mares del Sur, es llevado a una misteriosa isla en la que el Dr. Moreau (Marlon Brando en la época en que su tamaño era mayor que su talento), a través de complejos experimentos genéticos, ha creado una raza de animales humanoides que lo adoran como un dios… o eso cree él.

    Considerada por la crítica como una de las peores películas de la década de los 90, las  actuaciones son decentes, los efectos de maquillaje increíbles y los efectos CGI terribles. El guión es pobre, pero en general el relato sale a flote; en especial en la edición del director, en la que se reinsertaron escenas sangrientas que habían quedado fuera del corte original.

    Es interesante cómo en cada una de las versiones cinematográficas de la novela de Wells (hay una cuarta, pero de ésa hablaré en otra ocasión porque se merece un premio por mala) se incluye siempre, atendiendo al espíritu del folletín, un personaje femenino a pesar de que en el texto original no aparece ninguno. En esta versión, dicho personaje es interpretado por Fairuza Balk y su belleza exótica (o fealdad interesante, como se le quiera llamar).


14.- EL RESPLANDOR

The Shining, Stanley Kubrick, 1980

Ese Kubrick era tan chingón que cuando hizo una peli de terror, creó la máxima obra del cine de terror. Una película llena de sutilezas y detalles que logran crear una atmósfera escalofriante que hace que, al final del visionado, uno volteé por sobre su hombro.

    Es sabido que Kubrick solía terminar de pleito con los autores de las novelas sobre las que basaba sus películas pues siempre les corregía la plana. Siendo Stephen King un autor tan mediocre, debería más bien estar agradecido de lo que el director británico hizo con su novela (que honor a quien honor merece, no es tan mala).

    Existe una Edición Extendida que dura cerca de veinte minutos más. No aporta nada a lo logrado en vida por el director, pero es interesante como curiosidad histórica.